Los fotógrafos de la sociedad de consumo se asoman pero no entran. En fugaces visitas a los escenarios de la desesperación o la violencia bajan del avión o el helicóptero, oprimen el disparador, estalla el fogonazo del flash: ellos fusilan y huyen.

Eduardo Galeano (1940-) Escritor uruguayo

Profundizando un poco en el texto del escritor, Galeano distingue dos tipos de fotógrafos: los que retratan la miseria para convertirla en mercancía u objeto vendible y los que retratan a las personas con dignidad ante el sufrimiento. Creo que es una cita muy interesante para el debate.

(Agradezco a ggortigo la aportación de esta cita en el post sobre armamento fotográfico.)

He tenido conocimiento del proyecto wordswithoutpictures , encargado del estudio de la fotografía, de su significado y de los posibles cambios de dirección que se producen en ella. Pretenden responder, aglutinando diferentes opiniones, a todas aquellas cuestiones que seguramente vosotros mismos os habeis hecho alguna vez.
Para este fin utilizan distintos medios, véase, ensayos, foros, debates cara a cara, cuestionarios, … ; si os veis con ánimo de participar, no lo dudeis, todas las opiniones (que sean dignas de ello) serán recopiladas en un libro que reuna las conclusiones obtenidas.

En el ensayo actual (se pueden solicitar los ensayos anteriores vía mail) Sze Tsung Long se encarga de un aspecto mas que interesante, LA REPETICIÓN en fotografía. Para muestra unas frases que ilustran el contenido.

“La repetición es intrinsecamente transformar lo que se ve en conocimiento”.

“La repetición nos recuerda que los significados son siempre multiples y cambiantes”.

“Cada vez que miramos, vemos algo diferente”.

“La fotografía ocupa el punto de encuentro entre la mecánica de la percepción visual y las estructuras que dan forma a nuestros ambientes”.

“La repetición demuestra que la visión no solo está formada de visiones individuales sino de sociedades y culturas mirando y estableciendo como y el que ver”.

Como anillo al dedo me vino el descubrimiento de esta web, ya que rondaba la idea de un post dedicado al descubrimiento de las notas que una fotografía debe tocar para que resulte atractiva (ya tratado en el post Geometría y sentimiento); pero Long me ha ahorrado trabajo, estableciendo que la repetición es la que ha marcado un patrón de lo que es digno y lo que no de ser fotografiado.

Presencié hace poco una exposición de HCB en Cádiz, que me hizo convencerme de dos cosas. Primero de algo que ya sabía (o algo de lo que me habían convencido), HCB era un magnífico fotógrafo y segundo que casi toda la fotografía de la segunda mitad de siglo es también suya; tan fuerte es la influencia que ha tenido sobre el fotógrafo medio que es difícil poder ver una captura que no participe de la mirada de Bresson o de Adams.

Será propio decir también que cada una de nuestras fotografías, no es nuestra, sino reflejo de todas aquellas que hemos contemplado y de todas aquellas que nos han hecho ver como dignas. Apoyados como Newton sobre hombros de gigantes, damos continuidad a la mirada de fotógrafos anteriores. Cada uno que busque ahora un gigante sobre el que apoyarse.

Una esquina de la Avenida Greenwich de Nueva York, tres personajes, halcones nocturnos, la luz del interior se refleja en la acera para hacerles saber que allí no hay nadie salvo ellos, dueños de un espacio que desprecian acogiéndose al resguardo de aquel restaurante, de un café caliente y de una comida breve. Y allí consumen los últimos minutos de un día que para la mayoría ha terminado. Cabizbajos reconocen que la misma ciudad que les regala el señorío de unas calles que desdeñan, es la que les proporciona aquel extraño sentimiento de soledad acompañada.
Sin hablar y sin querer hacerlo, dejan pasar los minutos hasta que ya sea demasiado tarde para obviar una rendición al sueño.
Deseé ser otro búho, pasear por las calles con su permiso, permanecer en aquella esquina con mi Speed Graphic, sabiendo que conocían mi presencia, sabiendo que no existía nada que pudiera turbarles en aquel momento, dejándome retratar la soledad de aquella enorme y despiadada ciudad.
(Unas semanas antes los japoneses habían atacado Pearl Harbor contaminándolo todo de decepción y tristeza.)
P.D. Es curioso que la fotografía que siempre querré hacer, sea la propuesta de una magnífica pintura.

¿Son cosas mías o las cámaras cada vez parecen más objetos bélicos?

Queda reflejado en los principios de este blog, el no pretender ser un punto de información sobre novedades tecnológicas en el mundo de la fotografía, pero ha sucedido algo  imposible de obviar por mi parte, para no cambiar tangencialmente el estilo de esta página intentaré darle un tono sutil a la noticia.

En una entrevista aparecida en la página web de Rob Galbraith, Alex Majoli, fotógrafo Magnum conocido, aparte de  por sus excelentes capturas, por usar cámaras compactas digitales Olympus (al igual que Paolo Pellegrin) para su trabajo, dijo lo siguiente:

Echo de menos la dureza de las cámaras de vieja generación, la Olympus OM-1, la Leica. Mi sueño sería una cámara digital del tamaño de una C-5060 – digamos que no mas grande que una Leica – con lentes intercambiables. Pequeñas lentes, me gustaría que fueran fijas, no zooms. Puede que grandes aberturas, f1`8. El archivo está bien, no necesito 20 megapixeles

El fotógrafo propone y Dios dispone, a mi me parece algo elogiable, a ver en que queda todo esto.

Érase una vez un amor tan puro y sincero que carecía de reglas. Cada
día y cada instante resultaba una novedad. Él trataba siempre de
sorprenderla, se afanaba por ser original evitando en todo momento la
monotonía. Ella se ilusionaba con cada nuevo proyecto. Acordaron no
repetir errores, aprender de todos los que les rodeaban pero se
juraron hacer únicamente aquello que les saliese del alma, no
importando cómo, eso era lo de menos. Fueron libres y nunca hubo
engaños.

(Él es el fotógrafo y ella es la inspiración.)

Reconozco estar condicionado por mi visión romántica de la fotografía a la hora de enjuiciarlo todo. Eso hace que desde siempre me resulte un contrasentido hablar de reglas y fotografía. Normas, leyes, patrones, reglamentos, métodos, directrices y guías no pueden estar en sintonía con sentimientos, amor, sensibilidad y pasión. Son dos equipos que deben jugar en categorías diferentes.
No voy a negar la importancia de las mal llamadas reglas de la fotografía pero una cosa es conocerlas y otra muy distinta es jurarles obediencia. Llamémoslas sugerencias o consejos pero no más allá. Demasiadas obligaciones formales tenemos ya en la vida como para restringir o condicionar nuestra personal manera de ver las cosas y plasmarlas en imágenes.
Apuesto por una anomia fotográfica, una fotografía sin reglas, sin ídolos y sin imitaciones. ¿Qué opinas? ¿Te apuntas?

Cada vez estoy más convencido de que la función del jurado en un concurso de fotografía es premiar aquella imagen que nadie salvo ellos (el jurado) escogería. ¿Cómo se consigue esto? Bien sencillo, se trata de elegir la foto incomprensible; en definitiva, aquella foto que otorgue al jurado su condición de expertos capaces de encontrar valor artístico donde nadie más puede hacerlo. De esta manera el jurado obtiene un merecido protagonismo que sumará un granito de arena a su ya dilatada experiencia y sabiduría. Es una autoproyección de cada miembro del jurado que ve así aumentada su credibilidad como artistas. El premiado pasa a ser un artista pero los miembros del jurado, que ya eran artistas, ahora son dioses del Olimpo. Con su decisión demuestran que están por encima del público en general, más arriba que los vulgares aficionados y mejor situados que los artistas del montón.

En esta ocasión ha sido el jurado del 1º premio de fotografía ciudad de Las Palmas de Gran Canaria, que haciendo alarde de esa premisa de autoproyección, ha otorgado el premio (3.000 euros) a la foto incomprensible de Fernando Flores.

Hace mucho tiempo decidí no participar nunca en un concurso fotográfico. Poco a poco descubro que, más allá de principios éticos y  convicciones personales, hay algo por lo que nadie merece pasar: el desprecio de los jurados protagonistas.

Por cierto, el jurado de este concurso de mi ciudad estuvo compuesto por:
Angel Luis Aldai (fotógrafo), Antonio Vela (director del centro fotográfico de Tenerife), Carlos Schwartz (fotógrafo) y Carmensa de la Hoz (comisaria).

Dos detalles curiosos:
1.    La imagen ganadora en el apartado blanco y negro estaba en sepia.
2.    La mayoría de los miembros del jurado eran chicharreros.

(c) Fotografía de Fernando Flores.

En los ambientes fotográficos se dan las mismas circunstancias que en la sociedad actual. No íbamos nosotros a ser menos.

Para triunfar en fotografía (y prácticamente en cualquier otra actividad artística) se deben aceptar las recompensas que la sociedad dicta, marca y entrega. Estas recompensas podemos entenderlas como el reconocimiento del trabajo realizado, el premio a una fotografía en concreto o simplemente la fama y la popularidad. Es imposible tener éxito en fotografía si nadie respalda y aprueba tu trabajo. Muy difícil si no has ganado ningún premio de más o menos renombre. Y complicado si apenas eres conocido más allá de tu barrio.

Es muy probable que cada uno de nosotros tengamos un concepto muy distinto de lo que es fracasar y no nos pongamos nunca de acuerdo en determinar cuándo podemos considerarnos unos fracasados en fotografía. Pero, curiosamente, será quizás más sencillo que lleguemos a un consenso en la definición de éxito fotográfico. Esto tiene mucho que ver con la individualidad del fracaso y la colectividad del triunfo. Puedo fracasar yo solito en la sombra pero “es imposible” tener éxito sin la mediación de la masa.

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Escribo acerca de un enfado, o mejor dicho, de muchos enfados, el de todos los que me han provocado las dichosas minicámaras digitales y esos teléfonos móviles con aspecto de espada laser.

Este fin de semana asistiendo a la boda de mi hermano, tuve que sufrir el tránsito de familiares y enemigos hacia el altar, porque querían una foto de los novios, todos preparados con su gilicámara de bolsillo.  Tuve que soportar los flashazos, el tener que ver en el altar a hasta cinco personas  aparte de las que debían estar allí. El ir y venir y el desprecio absoluto de un momento tan íntimo, eran indignantes. Pero eso no es comparable a lo que tuvo que soportar el fotógrafo contratado, que tuvo que bregar con la competencia improvisada, que pudo ver como sus flashes se disparaban a su pesar  y como algunas de sus fotos se veían estropeadas por luces parásitas. Estoy seguro que deberá desechar alguna de sus tomas porque ese estúpido primo que desconozco (y no quiero conocer) y que solo aparece en las bodas, se metió con su culo enorme y su traje gris Cádiz en medio cuando tenía que estar sentado, o fuera de la iglesia a ser posible.

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Gracias a Miguel Michán (Backfocus), me entero que en el diaio Público, el día de ayer (pág. 34) aparece una entrevista que hace Peio H. Riaño a Javier Arcenillas ganador del polémico concurso FotoCAM. Además la entrevista se acompaña de un artículo no menos interesante con citas de grandes fotoperiodistas españoles

Leyendo la entrevista me he quedado atónito por la franqueza, que no por el discurso. No he podido pensar en otra figura que no fuera la del mercenario que se mueve por dinero y con nulos ideales o principios éticos. Se ha desecho del disfraz de cordero para pasar a ser lobo con piel de lobo. De cualquier modo que cada uno la lea y saque sus conclusiones

Público | Entrevista
Público | Artículo
Público | 22/06/08 Pág 34 (PDF)
Fuente | Backfocus

PD: Desconozco el artista que ha hecho el segundo retoque, pero sin duda la foto mejora ;) Mis felicitaciones